cine foro venezolano

Slumdog Millionaire - El gran exito comercial de Danny Boyle

2009-03-07T05:46:00.000-08:00

Slumdog Millionaire – Danny Boyle (2.008)

Danny Boyle siempre ha sido un cineasta innovador. Sus películas “Trainspotting” y “Shallow Grave” fueron muy bien recibidas por la critica a pesar de ser un tanto oscuras, o mas bien poco convencionales. A mi me gustaron ambas, pero claro, yo siempre he tenido una fuerte inclinación hacia todas aquellas películas que intenten salirse de lo común, y mientras mas crudas y oscuras, mejor.

Unos años mas tarde, dirigió “28 Days After”, aquella sensacional película futurista sobre un virus que produce rabia en las personas, que se vuelven como zombies hambrientos. La escena del comienzo, donde el protagonista se levanta de su cama de hospital para encontrar el sitio vacío, y la ciudad de Londres de igual manera, fue excelente. Aunque se pasó al lado mas comercial del espectro, todavía tuvo originalidad poniendo en escena un tema tan trillado como ese.

Ahora, con “Slumdog Millionaire”, Boyle ha decidido apelar al cine mas comercial y pensando en la taquilla. Sobre todo la de un potencial mercado hindú de 800 millones de personas. La diferencia es que lo hace de una manera muy inteligente y siempre mostrando sus grandes dotes como director.

Primero que todo, la manera en que narra la historia, comenzando por el final y reconstruyendo la vida del protagonista a través del concurso, es muy bien lograda. Por otra parte, con un casting impecable hace que el espectador se identifique de inmediato con los niños y el muchacho ya adulto. Desde la escena en que el pequeño salta dentro de la letrina con su mano alzada para no dañar la foto, todo el público se pone inmediatamente de su lado. De igual manera, Boyle logra que los espectadores se solidaricen con el joven mientras concursa, estableciendo un fuerte nexo entre ambas partes a lo largo de la cinta.

Lo que yo mas admire en esta película fue como Boyle logro mostrar la crudeza de la vida en los barrios pobres de Mumbai sin tener que hacer apología de la pobreza ni recurrir a intensas y gráficas escenas que no habrían logrado mayor efecto que el de posiblemente asquear a los espectadores. Nos muestra si la terrible condición en que se vive en esos lugares (que ya conocemos localmente en Venezuela), pero nunca cayo en la utilización de recursos gráficos e impactantes. Y miren que a Boyle no le tiembla el pulso para recurrir a ellos. En este filme simplemente apunto a otro mercado y por supuesto a una audiencia mas amplia que la de aquellos como yo que se recrean viendo películas oscuras, crudas y poco convencionales.

Me pareció igualmente simpático el final, donde salen todos los actores bailando una coreografía con música hindú. Este fue un pequeño homenaje al cine de Bollywood, la gran industria de cine de la India, que produce anualmente más películas que el mismo Hollywood.

En definitiva es una película altamente recomendable, que nos mantiene entretenidos y que fue hecha de manera muy inteligente.

Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.

La realidad desde la perspectiva de una nina

2009-03-04T02:36:00.000-08:00

El Laberinto del Fauno - Guillermo del Toro (2.006)

De vez en cuando, y de verdad muy de vez en cuando, surgen peliculas que nos marcan. Bien sea por su historia, su contenido o porque por alguna razon muy personal hicieron contacto intimo con nuestros sentimientos. En mi caso, este filme del mexicano Del Toro realmente me mantuvo casi sin respirar por 119 minutos por la perfeccion del mismo. Una historia excelente, narrada de formas impecable en dos tiempos. Actuaciones muy buenas, una fotografia que crea un ambiente magico y para complementar una musica excelente.

Esta historia narra como una nina escapa de la crudeza de la Guerra Civil y de su realidad personal refugiandose en un cuento de hadas que se invento ella misma. Personajes fantasticos y tareas imposibles que se ve forzada a superar le ayudan a sobrevivir los dias tan terribles que vive para al final morir y convertirse en la princesa que ella creia que en realidad era.

La crueldad del Capitan, del franquismo fascista, nos hace recordar que la violencia y represion son terribles sin importar de que lado del pendulo politico se encuentre. Tan perversa es la dictadura de izquierda como la derecha, sin importar el motivo que las impulsa.

Los monstruos y demas personajes fantasticos parecen haber sido hechos por el mejor experto en maquillajes de Hollywood, y el manejo de la luz en las distintas tomas ayudan a crear ese ambiente magico que rodea la historia de la nina.

En una epoca en que las recetas de Hollywood se tornan insoportables a ratos, yo bendigo el momento en que me encuentro con un filme asi. Desde que comienza uno no sabe que es lo que va a pasar el siguiente minuto, y la historia se va tejiendo de manera muy fina, llevandonos de la mano a traves de eventos sorprendentes y crueles gracias a un guion estupendo y actuaciones sobresalientes.

En resumen, una de las mejores peliculas que he visto en muchisimo tiempo.

Esa es, al menos, mi opinion. Y puedo estar equivocado.

Una comedia totalmente inesperada

2007-03-28T20:35:00.000-07:00

Little Miss Sunshine - Johnatan Dayton y Valerie Faris (2.006)

Aunque yo nunca le paro mucho a los Oscars, debo reconocer que este año en particular me gustaron la mayoría de las películas nominadas en los varios renglones. Y esto sucedió por una razón en particular. Casi ninguna de estas cintas estaba signada por la receta hollywoodense mediante la cual uno puede predecir, desde el principio de la película, casi todo lo que va a suceder. No se si seria la presencia de directores extranjeros, o el nuevo auge del cine independiente, pero el leit motif de una buena parte de esas películas (las que yo he logrado ver) lo constituyo la premisa de hacer algo diferente a lo usual. Little Miss Sunshine no escapo a este predicamento.
Una familia totalmente disfuncional en la cual una madre trata de juntar a un abuelo drogadicto, un tío homosexual suicida, un hermano sociópata y un padre perdedor mientras la hija pequeña (Olive) sueña con ser una perfecta Miss América en miniatura y se muestra ajena a la tensa situación que se genera a su alrededor.
Ese grupo familiar tan disímil y totalmente incomunicado entre sí se reúnen en torno a la niña para acompañarla al concurso de belleza que será al otro lado de los Estados Unidos. Es durante este viaje que las diferencias entre todos se acercan, y ese grupo tan falto de esperanza se aglutina en torno al deseo de ver a la pequeña Olive competir. Durante el accidentado viaje sucede todo tipo de cosas que empeoran aún la situación particular de todos en el grupo (el abuelo incluso muere), pero eso no los detiene en su afán de complacer a Olive en concursar.
La secuencia del concurso es excelente. Un montón de niñas maquilladas y peinadas como si fueran misses reales desfilan en el ambiente más frívolo que se pudiese imaginar ante la admiración de sus padres. Olive desde el principio se antoja como desubicada en el grupo. Durante la competencia de talentos, la niña baila una coreografía ensayada con el abuelo, que nadie más conocía, bajo el tema “Superfreak” del recientemente fallecido y problemático Rick James. El atrevido baile, nada apropiado para el evento, causa revuelo entre los almidonados presentes, y hace que la familia completa se suba al escenario a acompañar a Olive y apoyarla mientras que las organizadoras espantadas buscaban al personal de seguridad y hasta a la policía para que bajaran a todos de la tarima.
Los directores se burlan de una sociedad americana obsesionada con unos cánones de belleza que ellos mismos se inventaron, y con la necesidad imperante de ganar ante todo. En esta película se gana perdiendo. Tampoco tuvo un final feliz en el cual el hermano de Olive termina siendo el capitán del equipo de fútbol americano del colegio, el tío desecha su homosexualismo o el padre termina con el empleo deseado. Simplemente todos terminaron por apoyar a Olive en su sueño y a su manera, y en el proceso lograron acercarse más unos a otros. Cero cursilería, cero final de película tradicional, nada de sexo o romances innecesarios, el “underdog” no termina arrasando. Una película sin desperdicio.

Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.

La reivindicación de un héroe

2007-01-20T15:41:00.000-08:00

Field of Dreams (1.989) Phil Alden Robinson

Todo el que me conoce sabe de mi afición por el béisbol. Desde que tengo uso de razón he estado jugando, leyendo, o viendo béisbol. Incluso durante un tiempo escribí una columna sobre béisbol en el diario Noti Tarde de Valencia. También he escrito dos ensayos sobre el tema. Es por eso que las películas sobre este deporte las he seguido con mucho interés, y de todas ellas, Field of Dreams es, si no la mejor, seguramente la mas emotiva de todas.

W.P. Kinsella, quien escribió varios relatos sobre béisbol, incluyendo “Shoeless Joe”, del cual se basa la película en cuestión, nos ofrece a aquellos verdaderos amantes de este deporte la visión de un hombre común quien tiene la oportunidad de ver en el jardín de su casa a los mas grandes jugadores de todos los tiempos. Es un homenaje a Joe Jackson, el famoso “Shoeless” quien a pesar de ser el tercer mejor bateador en promedio de todos los tiempos fue expulsado de por vida del béisbol, en plenitud de facultades, al ser encontrado culpable junto a otros siete miembros de los Chicago White Sox de 1919 por haber entregado la Serie Mundial por unas apuestas. Durante parte de la película, el personaje de Kevin Costner, Ray Kinsella, explica a su pequena hija el porque Jackson fue inculpado injustamente, como para que el publico en general lo sepa. Yo personalmente no tengo opinión formada al respecto. En un momento cumbre de la película, cuando finalmente Jackson aparece en el campo construido en el medio de los maizales solo para el, este le pregunta a Kinsella (Costner) “Is this heaven?” a lo que aquel le responde “No. This is Iowa”. El símil de que el cielo, para un jugador y aficionado al béisbol, no podía ser otra cosa que un campo perfectamente cortado. En un pasaje que para mi es memorable, Jackson se refiere a todo lo que le da nostalgia acerca del béisbol: el publico ovacionando en las tribunas, el olor de una pelota y un guante, la grama recien cortada.

Sin embargo, lo mas importante de la película, fuera de todo ese homenaje al béisbol y la reivindicación a Joe Jackson, lo constituye el final, cuando el propio padre de Kinsella, un jugador de ligas menores muerto hacia anos, aparece en el campo, y se pone a lanzar bolas con su hijo, como habían hecho cuando aquel era niño, y con eso recuperaban una relación que habían perdido mucho antes de la muerte del padre. Esa escena es altamente emotiva, por lo menos para aquellos que amamos este extraordinario deporte.

Esa es, al menos, mi opinión, y puedo estar equivocado.

Cinco segundos que cambian la vida

2006-11-14T05:00:00.000-08:00

The Remains of the Day – James Ivory (1.993)

Desde hace 35 años, Berta ha trabajado en casa de mi mamá. Es de esas personas honestas y trabajadoras que dedican su vida entera a una sola familia, integrándose de lleno en ella. Para mi mamá, ha sido como una hermana. Para mí y mis hermanos, como una segunda madre. Salvando las diferencias geográficas, temporales y culturales, Mr Stevens, el fiel mayordomo de esta película, es como la Berta de la familia Darlington. Este personaje (Mr. Stevens) cumple con su cabal labor de servir a su empleador con tanta fidelidad que puede compararse incluso a un sacerdote, que dedica la vida entera a servir a los demás, sacrificando incluso su vida personal y amorosa de manera que no interfiera con la labor para la que fue adiestrado. Es curioso como una película basada en la novela escrita por un japonés (Kazuo Ishiguro) de 26 años y cuyo guión fue adaptado del libro por una alemana de raíces indias, puede transmitir de una manera tan extraordinaria el espíritu británico que envuelve ese ambiente de las mansiones y la nobleza. Esta cinta es recordada por lo general como una película un poco lenta pero con grandes actuaciones por parte de Sir Anthony Hopkins y Emma Thompson. Yo la recordaba así por lo menos. Pero es mucho más que eso. Durante un viaje de trabajo, mi buen amigo Luis Penzini Fleury me hizo un comentario que, al ver la película de nuevo con esa idea en mente, le dio un vuelco por completo a la trama. Es el hecho de cómo un instante de apenas cinco o diez segundos en el que se pudo tomar una decisión, y no se hizo, puede afectar de tal magnitud la vida de dos personas. Durante la primera hora y media Anthony Hopkins (Mr Stevens) nos va develando el carácter de este mayordomo estoico, cuya vida misma está supeditada al confort de Lord Darlington y de sus frecuentes invitados, a mantener en perfecto estado cada mínimo detalle de los miles que conforman la enorme mansión, y a dirigir como un general a ese ejercito de sirvientes con sus deseos e imperfecciones finalmente humanas. La llegada del ama de llaves, Miss Kenton, personificada por la extraordinaria Emma Thompson, con cierta irreverencia ante lo estricto de Mr Stevens, le da un vuelco a la vida de éste. Estos dos personajes, a fuerza de miradas, expresiones faciales y corporales, pequeños contactos, tonos de voz comedidos y frases sin terminar, nos logran transmitir una gran gama de emociones, incluso su amor el uno por el otro. En eso radican las grandes actuaciones a mi juicio. Hopkins será siempre recordado como Hanníbal Lecter, papel por el cual ganó el sobrevaluado Oscar, pero lograr lo que hizo en esta película, sin necesidad de frases altisonantes ni efectistas, y sin necesidad de estar cubierto de sangre, es mucho más difícil. El momento cumbre de la película viene cuando Emma Thompson acorrala a Hopkins en su habitación con la excusa de ver el libro que este tenía entre sus manos. Se le acerca a menos de diez centímetros de su cara, esperando una reacción de aquel. Hopkins por un breve instante piensa en tomarla y besarla, y ella se lo suplica con los ojos, pero finalmente desiste de hacerlo, por timidez o por lo “impropio” de tener una relación con una colega de trabajo. Ese instante en el que Mr Stevens decide no dar el paso marca la vida de ambos. Miss Kenton se casa con otro solo para terminar divorciándose e intentar, veinticinco años después, reencontrarse con Stevens, quien la despide en otra escena memorable y triste.
Las actuaciones de Hopkins y Thompson, como pareja, deben estar entre las mejores en la historia del cine.
Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.

La decadencia de una dictadura

2006-10-23T16:14:00.000-07:00

La Fiesta del Chivo (1.999) Luis Llosa

Cuando fuí a ver esta película me encontraba un poco inquieto ante el hecho de que, por lo general, los grandes libros nos decepcionan al ser llevados al cine. Muy pocas veces me he encontrado con películas que hagan honor al texto del cual fueron extraídas. Para mí, tal es el caso de "The Godfather (Mario Puzo)"; "The Right Stuff (Tom Wolfe)" y "The Shawshank Redemption (Stephen King)" por dar algunos ejemplos. Incluso en mi cabeza dudaba que una historia tan compleja por sus ramificaciones y variaciones temporales pudiese ser llevada a la pantalla de forma coherente. Pues Luis Llosa y su equipo de producción anglo-hispano, lo lograron. Transmitir la decadencia de esa dictadura feroz de Trujillo en República Dominicana, donde no solo existía la crueldad y el terror de todo Gobierno dictatorial sino la complacencia de sus dirigentes blandengues y temerosos, no es tarea fácil. Una cosa es expresarlo en un libro de 400 páginas, pero otra muy diferente es transmitirle a un público en dos horas todos esos sentimientos, y alertarlo acerca de los peligros que conlleva el poder absoluto en manos de una sola persona. Por una parte, el casting me parece que estuvo impecable. Tomás Milián nos ofrece a un despreciable y baboso Trujillo ya perdiendo condiciones y poder; el actor inglés Paul Freeman nos regala el mejor papel de la cinta como el patético Cerebrito Cabral, quien entrega como ofrenda a Trujillo la virginidad y la existencia toda de su única hija; Isabella Rosellini como una convincente Urania, desgraciada y desvirgada por el dictador, y por último la joven Stephanie Leonidas como la joven Urania, quien expresa muy fielmente la inocencia que luego pierde dramáticamente en la cama de Trujillo. El reparto es muy bueno, destacando el actor David Zayas como Antonio de la Maza. El meollo del filme/libro lo constituye la relación entre Cabral y su hija, que refleja el verdadero horror de las dictaduras. La decadencia de un régimen dictatorial lleva a sus hombres a cometer cualquier clase de barbaridades con tal de tener los favores del supremo, sin importar las vidas que pueden ser destruídas en el camino. Luis Llosa supo llevarnos de la mano a través de las historias individuales de cada uno de quienes estuvieron involucrados en el atentado, y de como cada uno de ellos, quienes anteriormente habían sido cercanos al Chivo, vivieron situaciones degradantes que los llevaron a cometer el asesinato de su líder.
Buena película, que nos retrata esta dictadura, pero que puede aplicarse a cualquiera de la historia, más o menos sangrienta que en este caso.
E incluso se puede comparar con dictaduras a punto de suceder en nuestros tiempos, para que estemos prevenidos y alertas al respecto.
Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.

El sexto sentido de Shyamalan

2006-10-02T18:55:00.000-07:00

The Sixth Sense (1.999) M. Night Shyamalan

Por allá en los años 70/80 se popularizaron una serie de filmes de terror que lograron ser enormemente populares, sobre todo entre el público adolescente y los jóvenes universitarios. Las series "Friday the 13th" y aquella otra "Nightmare on Elm St." cuyos villanos eran Jason y Freddie Kruger ofrecieron sus secuelas año tras año para el disfrute de estos dos grupos de jóvenes (y otros no tan jóvenes) que hacían largas colas para verlas. Me cuento entre aquellos que invitaban a una novia, o candidata a serlo, para intentar agarrar manos, abrazar, e incluso llegar más allá aprovechándose del pánico femenino. Son muchos los noviazgos adolescentes que comenzaron en el preciso instante en el que Jason le clavaba una flecha por el cuello a uno de los deprevenidos co protagonistas de alguna de sus M13.
La trama de estas películas era tan simple y previsible que costaba muy poco hacerlas. Un grupo de muchachos acampaban en el bosque. De noche había un gracioso que contaba cuentos de terror alrededor de una fogata y asustaba especialmente a las muchachas. Luego, mientras algunas parejas se retiraban a sus cabañas o carpas a hacer el amor, comenzaban los asesinatos de las maneras más insólitas, y siempre presentados de tal manera que los espectadores salataran de sus asientos. Al final, la última sobreviviente, toda maltrecha y sangrando por múltiples cortadas, lograba clavarle un punzón en el ojo a Jason y el mismo caía por una ventana, presuntamente muerto. Pero no, el gran carajo no se moría. Cuando llegaba la policía, Jason había desaparecido para prepararse para la próxima secuela de la serie.
El joven drector Hindú M. Night Shyamalan fue capaz de crear, con "Sixth Sense" una pélícula de terror que se basa más que en el terror gráfico, en el sugerido. Una vez que en la película le tomamos el pulso a ésto, nos sobrecogemos con la sola aparición del humo saliendo de la boca del niño, indicación de que hay un espíritu rondando. En la cara de Haley Joel Osment, el director nos transmite el horror que vive el niño gracias a ese don de ver muertos. "I see dead people". Esa frase nos deja congelados. La película está tan bien elaborada que son muy pocas las escenas de "brinco" que nos ofrece (la niña dentro de la carpa), y más bien son las sugerencias de cosas por pasar las que nos mantienen al borde del asiento. No hay exageración en efectos especiales grotescos o sangre, y la música es justo la necesaria. Bruce Willis nos convenció por fin de que es un actor y no solo el héroe de acción de "Die Hard" o el sabrosón detective de "Moonlighting". Y el casting de Haley Joel Osment no pudo ser mejor. El niño tiene no solo dotes histriónicas naturales, sino que posee una cara que está hecha para el cine, sobre todo si son películas de terror o de niños angustiados y traumatizados.
"Sixth Sense" nos muestra que para hacer una película de terror no es necesario recurrir al efectismo barato y a los excesos de sangre falsa. Se puede hacer este tipo de filmes con ingenio e inteligencia.
Ah!, y uno de los mejores finales de películas de siempre. Para mí gusto, es el segundo mejor final de película que yo haya visto.
Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.

2006-09-28T13:14:00.000-07:00

Una escena para la historia

The Deer Hunter - Michael Cimino (1.978)

Muchas son las escenas memorables que podemos resaltar. Hay unas que son utilizadas, como decía en una entrada anterior, en otras películas y se convierten en referencias eternas.
En el año de 1.978 el director Michael Cimino dirigió esta película, en la cual se reunieron una gran cantidad de estrellas ganadoras de premios de la academia. El cast fue encabezado por Robert DeNiro, Chris Walken, Meryl Streep, John Cazale y John Savage.
Es una película que explora las consecuencias psicológicas que la guerra de Vietnam dejó sembradas en las mentes de una generación completa de norteamericanos. También se adentra en las virtudes humanas como el heroismo y la amistad incondicional que surge, como consecuencia de la guerra, entre gentes sencillas.
La escena de la ruleta rusa en la prisión vietnamita es una de las escenas más emocionantes jamás filmadas. DeNiro y Walken, mejores amigos en su pueblo natal en las montañas americanas, son forzados a enfrentarse a un juego de ruleta rusa mientras que sus captores los golpean y apuestan a quien se mata primero. DeNiro introduce tres balas en la cámara, para hacer el juego más emocionante, y después de que Walken hace click con el arma, DeNiro procede a disparar a los carceleros que los rodeaban, matándolos para luego escapar.
Un escape físico de la prisión y luego de la guerra, pero que el personaje de Walken no logra superar en su mente, quedándose atascado en Hanoi jugándose la vida en ruletas rusas callejeras. Finalmente se mata en un nuevo duelo frente a DeNiro, quien intenta rescatarlo de su locura sin conseguirlo.
Quien no haya visto la película, que salga corriendo a buscarla, ya que la escena de la ruleta rusa es imperdible. Otra opción es verla en YouTube, donde alguien la colocó.
Esa es la mejor escena dramática en película alguna.
Al menos esa es mi opinión, y pudiera estar equivocado.

LOS MUSICALES: BROADWAY EN HOLLYWOOD

2006-06-11T09:32:00.000-07:00

West Side Story (1.960) / Jeremy Robbins & Robert Wise

En Septiembre de 1.976 (curiosamente, estas disertaciones siempre me llevan a esos años), durante un viaje a Londres con mis padres, éstos me llevaron a ver JesusChrist Superstar el musical de Andrew Lloyd Webber que estaba causando sensación y se estaba presentando ya por quinto año consecutivo. A mi cerebro de trece años recién cumplidos le causó un gran impacto el ver este espectáculo musical de extraordinaria música con efectos especiales de todo tipo realizados en un escenario sorprendentemente pequeño. Hasta ese entonces lo más cercano al teatro musical que yo había experimentado eran unos shows en el desaparecido cine Río, en lo que era la Avenida Real de Sabana Grande (hoy el maltrecho boulevard) los cuales era generalmente cuentos de brujas y princesas con mal sonido y escenarios decorados íntegramente con anime y cartulina, y que teníamos que mirar con los pies sobre los asientos para no correr el riesgo de que una rata nos pasara cerca de ellos. Esa noche londinense yo comencé a apreciar un género artístico como el teatro musical, y, de igual manera, las películas del mismo estilo. Una de las que considero las mejores de todos los tiempos es West Side Story, la inmortal historia de Romeo y Julieta traslada a la Nueva York de 1960, donde los Montescos y Capuletos se transmutan en las bandas de los Jets y los Sharks. La música de Leonard Bernstein produjo canciones memorables como “María”, “Tonight” y la archiconocida “America”, que narra lo difícil de la vida de los inmigrantes latinos en dicha ciudad. Cada vez que la escucho, no puedo sino pensar en lo vigente de su letra, incluso 46 años después de su realización. Las coreografías son extraordinarias (Promenade Mambo; Cool; Jet Song), y el casting fue muy bueno a la hora de escoger cantantes y bailarines. A mi modo de ver, Russ Tamblyn como Riff es el mejor de toda la película, sorprendiendo con sus acrobáticos pasos de baile, al igual que Rita Moreno en el papel de Anita. Ambos actores han pasado los últimos cuarenta años viviendo de la gloria cosechada en esa película. Irónicamente los únicos personajes sosos son Natalie Wood como una bella aunque poco convincente María y el muñequito de torta Richard Beymer como Tony. Ninguno de ellos baila y cuando cantan lo hacen a través de las voces de otros. Es de hacer notar que uno de los temas instrumentales “Promenade Mambo” lo toca frecuentemente la Orquesta Sinfónica Juvenil de Venezuela mientras sus músicos se incorporan de sus asientos y bailan, causando furor en el público. Esta película es solo una de muchos musicales que han tenido un paso exitoso por las pantallas de cine. Otras cintas de este género de las más vistas y premiadas son: The Sound of Music; JesusChrist Superstar; Chicago; Oliver!; Moulin Rouge; Singing in the rain; Soth Pacific; Grease; Annie; Oklahoma y tantas otras que nacieron en las tablas del West End de Londres o de Broadway y terminaron igualmente en la gran pantalla.

Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.

Are you talkin to me?

2006-05-10T19:06:00.000-07:00

Hace un par de años, cuando fui con mis hijos a ver “Nemo”, la famosa película de Disney sobre el pececito aquel, hubo una escena que me causó mucha risa, y mis hijos no entendían el porqué. Es cuando están en la pecera del consultorio y aparece en la puerta la terrible hija del dentista, aquella que aterrorizaba a los peces. Al aparecer la niña, colocaron la inconfundible música de violines de la famosa escena de “Psycho” cuando matan a la mujer en la ducha y aquella cae llevándose consigo la cortina. Eso es lo que yo llamo una “Escena Emblemática”, una que es repetida, copiada, referenciada y parodiada muchas veces en otras películas. Aquí les ofrezco mi lista.

1.- Escena de la ducha en “Psycho” (1.960). Tal y como mencioné arriba. Esta película de Hitchcock, un clásico del suspenso, nos regaló esta famosa escena, y el sonido y edición de la misma han sido repetidos hasta la saciedad. Una escena por lo demás excelente, y que a pesar de no abundar en detalles grotescos, es terrible, incluso más de cuarenta años después de su estreno.

2.- Escena de la playa y los atletas trotando. “Chariots of fire” (1.980). Es innegable que esta escena ha sido parodiada hasta el cansancio en películas de todo tipo. Adicionalmente es una escena de gran valor estético. Los jóvenes trotando por una fría y gris playa inglesa con la extraordinaria música de Vangelis en el fondo, permanecen en la mente de los espectadores por mucho tiempo. Fue excelentemente parodiada en “Vacation” la famosa película de Chevy Chase, y más recientemente en “Madagascar”

3.- Are you talkin’ to me?. Taxi Driver (1.976). Las líneas pronunciadas por Travis Bickle (Robert DeNiro) frente al espejo en su precario apartamento de Brooklyn, enfrentando a un contrincante imaginario, han sido repetidas hasta el cansancio en otras cintas, y catapultaron a la fama a este actor, pese a que ya tenía varias películas en su haber. Esta película también significó el primer gran trabajo de Scorsese y el trabajo que le valió a Jodie Foster el estrellato instantáneo.

4.- Here’s lookin’ at you kid. Casablanca (1.942). No soy un fanático de Bogart, pero la escena final de Casablanca, con el avión encendido y Bogart diciendo estas líneas a una Ingrid Bergman llorosa han sido repetidas y parodiadas en decenas de películas.

5.- Billy Hayes se masturba. Midnight Express (1.978). La escena de Billy Hayes haciendo que su novia que lo visitaba al sanatorio se levantara la camisa para el masturbarse mientras le miraba los senos es muy conocida. Ella llora mientras Hayes (Brad Davis) murmura cosas incoherentes en el estado de semi locura en el cual se encuentra. Es una escena cruda y patética.

6.- El giro de 360 grados a la cabeza. The Exorcist (1.973). Cuando dieron esta película, evidentemente no la pude ver por razones de censura, pero todo lo que escuchaba era sobre como le giraba la cabeza a Linda Blair gracias a estar poseída por el demonio. En realidad, hay cosas peores en esa cinta, que comenté antes, pero esta escena es la clásica, la más referenciada de todas.

7.- I’m gonna make him an offer he can’t refuse. The Godfather (1.972). La famosísima frase la repite Marlon Brando durante toda la película, y luego la dice De Niro como Vito Corleone más joven en la segunda parte. La película contiene varias escenas emblemáticas, como el final, cuando a Kay (Diane Keaton) observa desde otra habitación como el una vez apacible y correcto Michael lo convierten en el nuevo Don. También está la escena de la cabeza del caballo en la cama del productor de cine que no quería convertir a Johnny Fontane en la estrella de su película. Cuando alguien le pregunta a Don Corleone como iba a hacer para que el productor aceptara poner a Fontane en la cinta, él le replica con la frase de arriba, y al día siguiente la cabeza del caballo amaneció en su cama.

8.- El alien sale de la barriga. Alien (1.979). Esa escena, según se dice, fue un poco improvisada, ya que ninguno de los actores (menos John Hurt, por supuesto) sabía lo que iba a ocurrir. Los gemidos ahogados que se escuchan (de Ileana Douglas) fueron auténticos gritos de sorpresa. Todavía hoy en día, cuando la miro, siento una incomodidad en las tripas.

9.- Heeeere’s Johnny!. The Shining (1.980). Jack Nicholson rompiendo con un hacha la puerta del baño donde Shelley Duvall se escondía, para gritar esa frase (famosa por ser la presentación de Johnny Carson en su Tonight Show durante décadas) a través del hueco.

10.- El vestido de Marilyn Monroe se levanta. Some like it hot (1.959). No se puede negar que esta escena la han copiado y parodiado en cualquier cantidad de películas desde entonces, más notoriamente en Woman in Red. En su momento, los hombres de todo el mundo soñaron con esa Marilyn Monroe que tenía esa combinación de sexy con ingenua que la llevó a la fama, y también a una muerte prematura.

Por cierto, tengo otra lista que es de "Escenas Memorables", que no es igual que ésta, y contiene las mejores escenas, a mi juicio, en el cine. No necesariamente las más copiadas. Por eso es que la escena de la ruleta rusa en "The Deer Hunter" no sale aquí, por ejemplo.

El papel que marcó a Nicholson

2006-05-07T14:21:00.000-07:00

One flew over the cuckoo's nest (1.975) / Milos Forman

No se puede negar que a todos nos agrada un loco. Cuando yo estudiaba en el Colegio Don Bosco, había un cura bastante joven que era el amigo de todos por las locuras que hacía. ¡El tipo decía groserías e incluso hablaba de mujeres!. Imagínense eso en 1.976. Impensable. Luego, este sacerdote se metió a monje de clausura (ratificando el diagnóstico popular emitido en los patios del colegio por decenas de psicólogos en edad escolar) y no duró mucho tiempo en ese régimen de silencio, ayuno y oración. Más tarde, dejó el sacerdocio e incluso creo que se casó. Nuestro curita "pana" y locato él. De esa misma manera, Nicholson entró en los corazones de las audiencias del mundo como el loco McMurphy, aquel criminal de poca monta que decidió hacerse pasar por lunático y cambiar la cárcel por un sanatorio. Durante el grueso de la película, McMurphy hace amistad con los enfermos mentales y antagoniza al personal del sanatorio, liderizado por Louise Fletcher en el papel de la cruel y fría enfermera Ratched. Para mí uno de los mejores roles femeninos de siempre. El desenlace de la película es uno de los mas duros que yo haya presenciado alguna vez, y deja a el espectador pegado al asiento con una sensación de pesadez, o de sorpresa, que le dura por el resto del día. Nos mataron al loco. Dentro del excelente casting de enfermos mentales, destaca Brad Douriff en su primera actuación, así como Danny De Vito, Chirstopher Lloyd y Will Sapmson como el famoso "Chief", el gigante e inexpresivo indio que escapa al final, luego de haber matado a McMurphy. Esta película fue producida por Michael Douglas, quien sudó la gota gorda intentando colocarla en los estudios más conocidos siendo rechazada en todas. El libro homónimo en el cual se basa la película fue un gran best seller en los Estados Unidos y les parecía muy crudo para llevar a la pantalla. Por cierto, el papel de McMurphy iba a ser de Kirk Douglas, el padre de Michael, y posteriormente le fue negado el papel en favor de Nicholson, marcando el comienzo de, si no una carrera, de una leyenda. A raíz de ese papel, Nicholson es reconocido, recordado y estigmatizado como un lunático hasta el día de hoy, treinta años después, incluso luego de personificar otros roles igualmente buenos y de otra índole como en "A few good men", "About Schmidt" o "Hoffa".

Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.

¡Aqui vienen las comedias!

2006-04-19T12:45:00.000-07:00

The party (1.968) / Blake Edwards

En atención a un comentario realizado por un querido amigo, me parece que ya es hora de incluir películas cómicas, o comedias, en este blog. Y la mejor manera de hacerlo es con una de las más importantes películas en este género. "The party", o "La fiesta inolvidable" es una referencia obligada al hablar del cine de comedia, y es debido, mayormente, al inolvidable y ya fallecido Peter Sellers. Luego de Chaplin y Buster Keaton, la comedia física había casi desaparecido, y es justamente Peter Sellers quien la trae de vuelta en esta película y la serie de "La Pantera Rosa", donde personificó al Inspector Clouseau. Tanta es la admiración por este actor y sus personajes que no me he atrevido a ir al cine a mirar el reciente remake de "La Pantera Rosa" con Steve Martin como Clouseau. No se si me equivoque, pero sería como mirar a la familia Munster en colores. Desde el comienzo de la película, el torpísimo actor de reparto Hrundi V. Bakhsi (Sellers), nos deja ver su capacidad destructiva, cuando en una escena memorable logra volar el fuerte antes de que la cámara comience a filmar. Una vez en la exclusiva fiesta donde fue invitado por equivocación, comienza una serie de metidas de pata que por una parte le causan gracia al espectador, pero por otra lo van desesperando. La escena en el baño del piso superior donde parte la tapa del tanque del WC, se sale todo el papel del rollo de baño, se tapa el WC, mete el zapato dentro, es un ejemplo clásico de la comedia física a la que nos acostumbró Sellers en su filmografía. De la misma manera que logra desesperarnos y hacernos reír, el personaje logra construir una relación de afecto con los espectadores. Siempre he querido saber que tanto de lo que finalmente quedó impreso en el celuloide provino del script original de Edwards, y que tanto fue improvisado o sugerido por el mismo Peter Sellers a medida que la filmación avanzaba. Vale la pena señalar las actuaciones de J.Edward McKinley como Fred Clutterbuck, el desfortunado dueño de la casa, y en especial de Jerry Martin, el mesonero borracho. Una película sin desperdicio alguno. Y déjenme decirles, mis hijos (de 8 y 12 años) de vez en cuando la ponen y se ríen de lo lindo, así que no solo nos da risa a los más viejos.

Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.

¡Quien sepa de cine que levante la mano!

2006-04-10T16:20:00.000-07:00

Saber de cine es un tema espinoso ¿Quién sabe realmente de cine? Quizás Roger Ebert sepa algo. Él es el columnista de cine más leído y venerado de los Estados Unidos y su columna semanal del Chicago Sun Times es esperada por directores, productores, actores y muchos aficionados del cine en el país del norte. Aquí en Venezuela también tenemos nuestros llamados expertos en el tema (no recuerdo sus nombres ¿Ricardo Tirado será uno de ellos?), aunque es algo que no me quita el sueño. Para opinar sobre una película hace falta solo, y valga la redundancia, tener una opinión. En una ocasión, cuando yo tenía veinte años y me encontraba descubriendo la Cinemateca y el desaparecido Cine Prensa acudiendo a cuanto festival de películas checoslovacas ponían, me sentía tan imbuido de cultura cinematográfica que se me ocurrió burlarme de un amigo mío, karateca él, que estaba alabando la última película de Chuck Norris. Mi recién adquirido y auto impuesto título de experto en cine hizo que me burlara desconsideradamente de mi amigo por haber visto semejante “bodrio producto de la cultura chatarra norteamericana” (no sé si usé esos términos, pero por allí iba la cosa). Sin embargo, él me hizo la siguiente observación: “Seguro que más personas van al cine a ver a Chuck Norris que por tus películas culturosas”. Esta es una realidad como un templo. Si la finalidad última del cine es entretener, bajo esta óptica entonces las películas de Stallone son mejores que las de Bergman ¿Quién puede negarse a ello? Desde ese momento, comprendí que nadie es el dueño de la verdad única sobre el cine, y que las opiniones son relativas, subjetivas y cambian de persona a persona. Eso era todo lo que quería decir por ahora. Y los dejo, ya que voy con mi hijo de ocho años a ver “Mi abuela es un peligro 2”. Me han dicho que es buenísima.

Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.

La película que le quitó el sueño al mundo

2006-04-08T18:53:00.000-07:00

The Exorcist (1.973) / William Friedkin

Es innegable que hay películas que impactan de tal manera que cambian la forma en que las personas, y a veces incluso las sociedades, actúan y se enfrentan a distintas instancias de su vida cotidiana. Para mí, en ese año de 1.973, el hecho de ver la pélícula "Drácula" (versión de 1.958 con Christopher Lee) en una fiesta infantil, significó dormir con la luz prendida no se durante cuanto tiempo. Mientras yo comenzaba a tener mis famosos insomnios por aquella pelicula en blanco y negro y de calidad dudosa, los adultos de todo el mundo decidían a ir más frecuentemente a misa y a traer tarros de agua bendita a sus casas luego de presenciar, horrorizados, "El Exorcista". Era la primera vez que alguien se atrevía a mostrar al demonio, el máximo enemigo de los cristianos, como una presencia real, que era capaz de invadir el cuerpo de una pequeña niña, ergo sum, podía hacer lo mismo con nosotros si tan solo se lo propusiera. Los efectos visuales y sonoros de la cinta de Friedkin, la iluminación, el maquillaje y, sobre todo la música de Mike Oldfield (cada vez que escucho el pianito se me crispan los nervios), se conjugaron para mostrarnos la cinta sin duda más aterradora en la historia del cine. Incluso la foto promocional, con la figura del Exorcista (Max Von Sydow) parado en la calle junto al farol mirando hacia la ventana del segundo piso, se ha convertido en una imagen referencial. Friedkin se atrevió a sacar del closet y de los mas oscuros rincones de nuestro cristianismo al ser que más le tememos, y lo metió dentro del cuerpo de una niña. Mi opinión personal es que, a pesar de los vómitos verdes, las levitaciones y la vuelta de 360 grados de la cabeza de Linda Blair, lo más aterrador de la película lo constituye escuchar la gruesa voz de los demonios diciendo toda clase de insultos y amenazas de la boca de la niña. Cuando por fin logré ubicar una copia en betamax de la película, por allá en 1.980, y cité a unos amigos a la casa a mirarla con las luces apagadas, confieso que me hice un poco más devoto y, como hacía unos años, tuve que recurrir a ese viejo truco que había aprendido con Drácula. Digamos que la cuenta de la electricidad en casa de los Jahn subió un poco durante no se cuanto tiempo.
Por cierto, hace dos semanas pasaron en el canal Retro esa misma película de Drácula, y me propuse a verla con mi hija de doce años. ¿Quieren saber cual fue su reacción? Al pasar media hora me dijo: "Papi, que película tan patética", mientras se ponía su i-pod para escuchar canciones de Daddy Yankee. Sin embargo, no creo que reaccione igual si logra ver "El Exorcista".

Esa es, al menos, mi opinión. Y puedo estar equivocado.

2006-04-07T19:54:00.000-07:00

Jesus Christ Superstar (1.973) / Norman Jewison

Mientras el estreno de esta película provocaba disturbios y protestas alrededor del mundo, yo me encontraba en mi pupitre de cuarto grado discutiendo cosas más importantes como el último capítulo de Ultraman, o deliberando con mi amigo el Pollo sobre cual de las trillizas de oro estaba más buena (creo que al final me convencieron de que era Maria Laura). Sin embargo, hoy en día, treinta y pico de años después, puedo decir que esta película, que originalmente fue concebida como una obra musical para el West End, es una pieza de gran importancia dentro del cine, y, por supuesto, para el teatro musical.
La importancia de esta película radica en el hecho de presentar una visión de Jesús que nadie se había planteado antes, y que me parece muy válida. El guión, basado en la perspectiva particular del binomio Lloyd Webber/Rice, nos muestra a un hombre que, a pesar de conocer su destino, está asustado y le pide a Dios que le explique el porqué tiene que sacrificarse. Un Judas que parece ser de los apóstoles quien más se preocupa por él, lo cuestiona constantemente, diciéndole que no caiga en la tentación de sentirse una superestrella (de allí el título). Para mí la música, las coreografías y la ambientación setentosa (¿sesentosa?) logran darle un marco de referencia fabuloso a la película. El contenido en sí de la película no era en el fondo tan revolucionario como se quiso dar a entender. Las miles de personas de la ultra derecha cristiana que protestaron en todo el mundo, llegando incluso a quemar una sala de cine en Buenos Aires, no tenían idea de lo que el texto del guión y sus canciones contenía. Ellos protestaban por el sólo hecho de visualizar a Jesús y a sus apóstoles en atuendos que parecían más propios de vendedores de pulseritas de cuero o hippies comeflores y marihuaneros. En lo personal, creo que es una visión acertada sobre los últimos días de Jesús, sin faltarle nunca el respeto a esta figura cumbre de la humanidad, y mostrando su lado humano con todos los miedos y ansiedades propios de un hombre en su posición. La música es algo de otro mundo. Piezas como “I don’t know how to love him”, “Superstar” y “Everything’s alright” se apoderaron de las listas de sencillos más vendidos en todo el mundo y hoy son todavía muy recordadas. En contraposición a mi amigo Juan Carlos, quien cree que la película original es la mejor versión, a mi particularmente me gusta más el video más reciente, grabado sobre una presentación en Londres. Sin embargo, el Judas de 1.973, representado por Carl Anderson, no ha podido ser superado todavía.

Esa, al menos, es mi opinión. Y puedo estar equivocado.

2006-04-07T14:04:00.000-07:00

Midnight Express (1.978) / Alan Parker.

Aparte de ser una gran película de por sí, fue la primera en la que me fijé en detalles que nunca había notado en otras películas, tales como la música, la actuación, la historia en sí. Brad Davis como Billy Hayes ofrece una actuación impactante. Su monólogo ante el juez que lo condena a treinta años es de las mejores piezas de actuación que he visto hasta esta fecha. Hay una escena que pasó a la historia con Billy masturbándose frente a su novia que lo visitaba en el sanatorio. Una película dura que atrapa emocionalmente al espectador, llenándolo de indignación a medida que la película avanza, y con un final hermosamente logrado con fotos en blanco y negro de Hayes regresando a su casa. Esta película hizo que me gustara el cine un poco más en serio y también logró que le tuviese aprensión a todo lo relacionado con Turquía por un tiempo.

2006-04-07T14:02:00.000-07:00

Pelle the Conqueror (1.987) / Bille August.

Esta película, protagonizada por Max Von Sydow (si, el exorcista en persona), es de producción sueca y dirigida por Bille August, reconocido director danés. La trama y la geografía no pueden ser más ajenas a nuestra idiosincrasia, sin embargo atrapa al espectador desde el primer minuto. Se desarrolla en una isla danesa, donde llega un barco lleno de inmigrantes suecos buscando trabajo debido a las precarias condiciones económicas en su propia tierra. Max Von Sydow es Lassefar, un hombre mayor y cansado, quien es acompañado por su hijo Pelle, de doce años, y es contratado para trabajar en los establos de un adinerado personaje. A lo largo de la cinta, Lassefar es vejado e insultado constantemente por un joven jefe, quien disfruta viendo al viejo sufrir, mientras que Pelle, con su inocencia de niño y el amor por su padre, mira a aquel, a pesar de su precaria situación, como un héroe. El paisaje es asombroso: grandes extensiones de pasto y nieve, pinos y eucaliptos enormes movidos de lado a lado por los ventarrones, y un mar congelado. Pelle explora la geografía del lugar soñando que conquista otros mundos (de allí el título), mientras espera que su padre lo saque de allí algún día. La película termina con una escena conmovedora, cuando Pelle, que ya dejó de percibir a su padre como hombre poderoso y lo compadece como a un viejo cansado, decide no tiene otra opción que irse él solo a buscar fortuna en un barco, despidiéndose ambos con un simple apretón de manos. En mi opinión, la actuación de Von Sydow es la más extraordinaria que he visto en el cine. Su personaje Lassefar es un pobre hombre, humillado por un jefe prepotente y tratando de lucir ante su hijo como un hombre fuerte y autoritario. Sin embargo, la actuación de Pelle Hvenegaard (si, el niño se llama en realidad como su personaje) es considerada por algunos como de igual o superior calidad que la de Von Sydow. En definitiva tenemos una cinta que parece una clase de actuación, dirección, libreto y cinematografía. Una película perfecta.

2006-04-07T14:01:00.000-07:00

Chariots of Fire (1.980) / Hugh Hudson.

La historia de dos corredores de pista y campo compitiendo por Gran Bretaña en las Olimpíadas de París en 1.924 fue llevada a la pantalla con gran maestría por Hug Hudson. Uno de los corredores era un pastor protestante escocés que competía para alabar al Señor, mientras que el otro era un judío luchando por imponerse ante los prejuicios, incluso en Oxford, donde estudiaba. Se llevó el Oscar como mejor película de 1.981, lo cual es solo una referencia, ya que ese premio no tiene mucho significado para mí. Es una de las películas visualmente mas hermosas que he visto. Las escenas de competencias, bien sea en los Highlands de Escocia o en las pistas del Estadio Olímpico de París, son perfectas. La escena con la que comienza a película, con los miembros del equipo olímpico británico corriendo por una playa gris, con la música de Vangelis en el fondo, se ha referenciado en muchas películas posteriores. La historia es real, y se sacó en parte de un compendio de cartas enviadas por uno de los compañeros de equipo olímpico de los dos personajes a sus padres mientras estaban concentrados antes de las olimpiadas.

2006-04-07T13:59:00.000-07:00

Blade Runner (1.982) / Ridley Scott.

La visión de Scott sobre la sordidez de la ciudad de Los Ángeles en el futuro es sensacional. Calles insoportablemente atestadas, niebla, smog, humedad, suciedad y la misma soledad americana que en los actuales momentos. Personajes que son híbridos de las varias culturas que se mezclan en Los Ángeles y que incluso desarrollan un dialecto propio. A mi entender es la primera película que nos muestra un futuro sórdido lejos de esas imágenes de idílicas ciudades ultramodernas donde la gente se mueve por cintas transportadoras y lleva trajes espaciales de un blanco impecable. Rutger Hauer en su mejor papel, y quizás Harrison Ford también. Basada libremente en el cuento “Do androids dream of electric sheep?”, el cual recomiendo. Casualmente la música es de Vangelis, al igual que en Chariots of Fire. Por cierto. Los directores de estas tres primeras películas son británicos.

2006-04-07T13:58:00.000-07:00

The Godfather (1.972) y The Godfather II (1.974) / Francis Ford Coppola.

Estas películas, de las cuales derivaron tantas acerca de la mafia italiana, no tienen desperdicio en ninguno de sus aspectos. Un guión excelente realizado por Mario Puzo y basado en su novela homónima. Marlon Brando le dio vida a Don Vito Corleone de una manera excepcional. Su frase “I’ll make him an offer he can`t refuse” es sin duda una de las más referenciadas en otras películas. Significó el salto al estrellato definitivo de Al Pacino, quien se transforma de un héroe americano de guerra en el despiadado Don a lo largo de la cinta. Tiene escenas memorables como la del bautizo, donde mientras los Corleone bendecían al hijo de Connie, se llevaban a cabo matanzas feroces por toda Nueva York, o aquella de la cabeza de caballo en la cama del director de cine. El tema central de la película “The Inmigrant” por Nino Rota fue tan bien logrado que cada vez que se escucha nos recuerda a italianos en Nueva York.
La segunda parte es, a mi entender, la mejor secuela de película alguna que yo haya visto. Así como en la primera, en esta también ocurre una transformación asombrosa, cuando a un joven e ingenuo Vito Andolini las circunstancias y su ambición lo transforman en el temido Don Corleone. Robert DeNiro estuvo impecable en un papel que lo marcaría como el premier mafioso del cine, papel que le tocaría representar unas cuantas veces más (Once Upon a Time in America; The Untouchables; Wise Guys; Casino; Analyze This)

2006-04-07T13:56:00.000-07:00

The Shawshank Redemption (1.994) / Frank Darabont.

Si hay algo que me puede atrapar en una película es su historia, y la que de desarrolla en esta película es innegablemente sensacional. Basada en una novela corta de Stephen King llamada “Rita Hayworth and the Shawshank Redemption” , la historia de Andy Dufresne atrapa al espectador (al menos lo hizo conmigo) desde el primer minuto de proyección. Una de las cosas que lamento es el haber leído el libro antes de verla, ya que conocía el desenlace, aunque admito que de igual manera el mismo me conmueve cada vez que tengo la oportunidad de poder verla de nuevo.
Es una historia de amistad y esperanza como pocas que yo haya visto. Como todas las tramas de King la historia está llena de pequeños detalles que le dan más brillo (la viga de madera marcada en la habitación “Brooks was here”, que nos hace pensar que Red también se va a suicidar) así como tramas paralelas que la convierten en una película densa. Como en todas las películas basadas en los libros de King, los héroes (Dufresne y Red) no son míticos, poderosos e impolutos, ni están exentos de ser humillados, sino más bien son personas ordinarias ubicadas en situaciones extraordinariamente difíciles. Estos héroes coexisten con villanos al estilo King, que vejan y torturan tanto físicamente (el Capitán Heywood) como psicológicamente (el Jefe Norton) a los protagonistas durante toda la historia.
Tim Robbins ofrece su mejor papel como Andy Dufresne, y Morgan Freeman como el resignado Red es muy bueno. Darabont mismo escribió el guión, y tuvo tanto éxito con esta película que años más tarde dirigió “The Green Mile”, una historia con algo en común con Shawshank: un relato de King que se desarrolla en una cárcel.
El final es uno de los mejores de película alguna, y deja al espectador salir del cine con una especie de sensación de paz interior, luego de resistir durante dos horas y veinte la crueldad de la vida en la cárcel.

2006-04-07T13:55:00.000-07:00

Nuovo Cinema Paradiso (1.989) / Giuseppe Tornatore.

En 1.989, Tornatore nos puso a todos de cabeza cuando lanzó esta cinta extraordinaria que trata del cine dentro del cine. O si se quiere, visto desde un punto de vista más romántico, es una historia personal de alguien que se reencuentra con sus raíces. Ubicada en algún pequeño pueblo de Sicilia, Tornatore nos narra la historia de Salvatore, un exitoso director de cine italiano que regresa a su pueblo natal para el funeral de un amigo a quien tenía olvidado (al igual que a todo el pueblo en sí). Al recorrer sus calles, la historia se desarrolla en dos tiempos: el presente y el pasado, donde nos muestra a Salvatore cuando era niño, joven y adolescente. Una historia conmovedora, donde la idiosincrasia italiana/siciliana se nos revela íntegramente de muchas maneras: la gente bulliciosa y alegre; las madres amorosas pero que no escatiman en demostrar su autoridad golpeando a los niños; lo apasionado del italiano; el arraigo por su tierra; la camaradería y la amistad; lo significativo de la religión y la importancia de la autoridad eclesiástica en los pueblos. Todas facetas que no nos son ajenas puesto que también las compartimos en Venezuela por ser latinos y tener tanto contacto con los italianos. Las escenas del cine, cuando proyectan las películas y todo el pueblo se encuentra dentro hablando, cantando y gritando son estupendas. Los personajes del pueblo como el proyeccionista, el cura y el loco son muy bien logrados. Pero lo que más me gustó de la cinta, y por lo cual la recordaré siempre, es por su final. Cuando Salvatore era joven, su afición por el cine era tal que trabajó como ayudante del proyeccionista, Alfredo, durante mucho tiempo, convirtiéndose así en su mejor amigo. Eventualmente Salvatore abandona Sicilia y se va a la ciudad a labrarse una carrera en el cine, dejando atrás al pueblo, su familia y a Alfredo. Ahora que regresa, y Alfredo está muerto, le entregan una cinta que aquel había preparado para Salvatore como regalo si alguna vez regresaba. La película termina con Salvatore mirando la cinta, que es nada más y nada menos que un compendio de todas las escenas de besos que el cura (en su labor de censor) había borrado de las películas que antiguamente se proyectaban en el pueblo. Simplemente extraordinario.

2006-04-07T13:53:00.000-07:00

Full Metal Jacket (1.987) / Stanley Kubrick.

Dentro del amplio espectro de películas acerca de Vietnam, de las cuales soy bastante aficionado, ésta es, para mí gusto, la mejor y más artísticamente lograda. De hecho, Kubrick logró, dentro de una misma película, armar dos historias que son claramente definidas. La primera parte comienza con la preparación de los reclutas en Parris Island. En ese sector nos muestra como un sargento cruel (tan repetitivo en las películas del género, pero en este caso el mejor de todos los que he visto) convierte a un puñado de jóvenes, que antes solo se preocupaban por el rock y la marihuana, en verdaderas máquinas de guerra, listas para matar. Esta primera parte de la película culmina con una escena tan cruda como bien lograda, cuando el peor soldado del batallón finalmente logra asimilar la lección de muerte que le han inculcado y la practica irónicamente sobre su sargento y profesor, para luego suicidarse sobre una poceta.
La segunda parte se desarrolla en el propio campo de batalla. Un impresionante set de Vietnam en donde Kubrick nos pinta magistralmente todos los elementos de la guerra: la violencia; la incertidumbre; el hecho de que estar vivo depende mucho del azar; el compañerismo y la lealtad; el liderazgo y la cobardía. También nos ofrece un mundo de contradicciones en donde el soldado Joker (Mathew Modine) anda con un casco con el signo de la paz y la leyenda “Born to Kill” escrita al lado, o donde el más cruel y frío de los francotiradores resulta ser una niña de trece años, como diciéndonos que la guerra es todo un absurdo. La mejor actuación de la cinta la ofrece Lee Ermey como el sargento Hartman. No es un sargento gritón más. Es “él” sargento gritón.

2006-04-07T13:52:00.000-07:00

The Green Mile (1.999) / Frank Darabont.

Otra película en una cárcel, escrita por Stephen King y dirigida por Frank Darabont. Otra historia sensacional. The Green Mile es una historia acerca de liberación, de expiación de culpas, de justicia. Michael Clarke Duncan hace el papel de su carrera como John Coffey, el negro ignorante cargado con un poder que no puede comprender y es acusado injustamente del asesinato y violación de dos niñas. El pobre es confinado a ser ejecutado en la silla eléctrica y su gran tragedia no es el estar preso y condenado, sino el saber que no pudo revertir el daño que le ocurrió a las niñas, a quienes encontró agonizando. Solo la muerte lo redime finalmente de su tragedia personal y antes de morir logra, con su particular poder, librar a su carcelero, John Edgecomb (Tom Hanks) y a la esposa del Jefe de la prisión de enfermedades que los agobian. Dentro de la compleja gama de relaciones que se generan entre presos y carceleros, es en esta película donde por primera vez veo a un grupo de reos y sus captores que desarrollan una relación de amistad y respeto mutuo. Los villanos de la película son básicamente dos: Wild Bill Warthon, asesino de las niñas, y el carcelero (tenía que haber uno cruel) Percy Whetmore. Sam Rockwell personaliza a Wild Bill en un papel electrizante. En conjunto, es uno de los mejores casting que he visto, si no el mejor, donde sobresalen Rockwell y Duncan. Como todas las historias de King, tiene varias tramas secundarias y detalles que aparecen a lo largo de toda la cinta, como el pequeño ratón que acompaña a Hanks hasta el propio final de la película.

2006-04-07T13:48:00.000-07:00

Stand by me (1.986) / Rob Reiner.

Me acabo de dar cuenta de que esta es la tercera película basada en un libro de Stephen King en esta lista, y ninguna de las tres es de terror. Como dije antes, son las historias lo primero que logra mi atención en una película, y King las produce como nadie. Stand by me trata acerca de cuatro niños que salen un día en busca de una aventura y regresan al día siguiente convertidos casi en hombre. Es la historia donde dos muchachos encuentran una amistad que los unirá durante muchos años a través de una experiencia increíble. No puedo evitar hacer paralelismos entre la amistad de esos cuatro pre adolescentes y la que mantuve (y mantengo) con mis amigos del colegio hoy en día, y quizás esa es otra de las razones de mi predilección por ésta película. Gordie LaChance, el personaje principal, es el personaje de la pantalla con el que más me he identificado, salvando las diferencias evidentes entre ambos a esa edad. El casting no pudo ser mejor, así como el guión y la cinematografía. La música, como en todas las películas de Stephen King, es un compendio de éxitos radiales de los sesenta. Las historias paralelas, como la relación de Gordie con su hermano y su padre, el cuento sobre el perro del chatarrero y la historia que Gordie cuenta en la noche, le dan más cuerpo a la historia en general. Las deliberaciones entre los muchachos a lo largo de la película son excelentes: “Si Mickey Mouse es un ratón y Pluto un perro, ¿Qué es Goofy?….Un perro, definitivamente es un perro”; “Quién ganaría una pelea entre Mighty Mouse y Superman?…..Superman, por supuesto, Mighty Mouse es una caricatura y Superman un hombre real”.
Dos frases de esta película me quedaron grabadas para siempre, y las he utilizado en distintos relatos: “Debiste haber sido tu Gordie” y “No hay amigos como los que se hacen a los doce años”. Esta última frase, pronunciada por Richard Dreyfuss en su breve papel como un Gordie Lachance adulto, me quedó sonando en la cabeza por varios días. Es una realidad del tamaño de una casa.

Reencuentro con un Gran Pez

2006-03-31T18:35:00.000-08:00

Big Fish (2003). Por Tim Burton.

En estos días me reencontré con esta película que vi hace dos años, y como sucede muchas veces, descubrí cosas en ella que la hacen mucho más interesante.
Siempre he dicho que lo que más me atrae en una película es su historia, y es innegable que la trama central, y todos sus afluentes, constituyen algo único. El viejo Ed Bloom, representado por un Albert Finney como siempre magistral, narra la historia de su vida en su lecho de muerte, y a través de ella se reencuentra con su hijo, quien, pragmático y realista, cree que su padre ha vivido en un mundo de mentiras. Durante toda la película, el hijo impotente intenta conocer la verdad tras la vida de su padre, quien no parece conectado con la tierra y todas sus historias están repletas de personajes como gigantes y siamesas. Gradualmente, el hijo decide aceptar a su padre tal y como es, un buen hombre que siempre entretuvo a todos con sus historias, y que era el centro de atracción de cada encuentro social. El público, mientras observa al hijo impotente ante las fantasías de su padre, se debate entre creer que el viejo está realmente loco o que esas historias en verdad si ocurrieron de una forma u otra.
No es sino hasta escena final, cuando los personajes que protagonizaron las fantásticas historias del viejo aparecen uno a uno para rendir tributo al muerto, cuando comenzamos a darnos cuenta de que las historias, si bien no sucedieron tal y como se habían narrado, no eran del todo inventadas. Los personajes, si bien no eran seres casi mitológicos, existían con características peculiares, pero eran personas ordinarias. Ninguna de las opciones que nos habíamos planteado antes era totalmente cierta. Ni Bloom estaba fabricando los personajes, ni los mismos eran tan míticos como se desprendía de sus historias. El gigante no medía cinco metros, pero si unos dos veinte, que es bastante. Las gemelas no eran siamesas, pero si eran idénticas. Ed Bloom simplemente había magnificado la realidad hasta convertirla en mítica, y se había creído sus propias exageraciones, como mucha gente hace (yo conozco un caso muy cercano a mí).
Ewan McGregor hace una labor extraordinaria como el joven Bloom, y Finney, como dije antes, en su mejor trabajo (a mi humilde criterio) desde “The Dresser”.
Una película emocional, que resulta mejor verla junto a alguien querido.

Esa, por lo menos, es mi opinión. Y puedo estar equivocado.

Leopoldo Jahn H.